Gerhard Richter berühmte Zitate

Kunst ist die höchste Form der Hoffnung.

Malen ist mein Beruf, weil es mich schon immer am meisten interessiert hat. Ich bin in einem bestimmten Alter, ich komme aus einer anderen Tradition und kann auf jeden Fall nichts anderes tun. Ich bin mir immer noch sehr sicher, dass Malen eine der grundlegendsten menschlichen Fähigkeiten ist, wie Tanzen und Singen, die Sinn ergeben, die bei uns bleiben, als etwas Menschliches.

Jetzt gibt es keine Priester oder Philosophen mehr, Künstler sind die wichtigsten Menschen der Welt.

Ich weiß nicht, wie ich die Qualität beschreiben soll, die nur in der Kunst zu finden ist (sei es Musik, Literatur, Malerei oder was auch immer), diese Qualität, sie ist einfach da und sie hält an.

Da es so etwas wie absolute Richtigkeit und Wahrheit nicht gibt, verfolgen wir immer die künstliche, führende, menschliche Wahrheit. Wir urteilen und machen eine Wahrheit, die andere Wahrheiten ausschließt. Kunst spielt bei dieser Herstellung von Wahrheit eine prägende Rolle.

Kunst ist das ideale Medium, um mit dem Transzendentalen in Kontakt zu treten oder ihm zumindest nahe zu kommen.

Über Gemälde zu sprechen ist nicht nur schwierig, sondern vielleicht auch sinnlos. Sie können nur in Worten ausdrücken, was Worte ausdrücken können - welche Sprache kommunizieren kann. Malerei hat damit nichts zu tun.

Kunst zeigt uns, wie wir Dinge sehen, die konstruktiv und gut sind, und ein aktiver Teil davon zu sein.

Ich finde die Romantik außerordentlich interessant. Meine Landschaften haben Verbindungen zur Romantik: Manchmal verspüre ich eine echte Sehnsucht, eine Anziehungskraft auf diese Zeit, und einige meiner Bilder sind eine Hommage an Caspar David Friedrich.

Ich bin dankbar, dass es die Kirche gibt, dankbar, dass sie so großartige Dinge getan hat, uns zum Beispiel Gesetze gegeben hat - 'du sollst' und 'du sollst nicht' und Gut und Böse festgelegt hat. Das ist es, was alle Religionen tun, und sobald wir versuchen, sie zu ersetzen, übernehmen weltliche Religionen wie Faschismus und Kommunismus.

Natürlich verzweifle ich ständig an meiner eigenen Unfähigkeit, an der Unmöglichkeit, jemals etwas zu vollbringen, ein gültiges, wahres Bild zu malen oder gar zu wissen, wie so etwas aussehen sollte. Aber dann habe ich immer die Hoffnung, dass es eines Tages passieren könnte, wenn ich durchhalte. Und diese Hoffnung wird jedes Mal genährt, wenn etwas auftaucht, ein verstreuter, partieller, erster Hinweis auf etwas, das mich an das erinnert, wonach ich mich sehne, oder das einen Hinweis darauf vermittelt – obwohl ich oft genug von einem kurzen Blick getäuscht wurde, der dann verschwindet und nur das Übliche zurücklässt.

Ich brauche oft lange, um Dinge zu verstehen, mir ein Bild vorzustellen, das ich machen könnte.

Das Foto ist das perfekteste Bild. Es ändert sich nicht; es ist absolut und daher autonom, bedingungslos, stillos. Sowohl in seiner Art zu informieren als auch in dem, worüber es informiert, ist es meine Quelle.

Ich mag alles, was keinen Stil hat: Wörterbücher, Fotografien, die Natur, mich selbst und meine Bilder. (Weil Stil gewalttätig ist und ich nicht gewalttätig bin.)

Meine Bilder sind weiser als ich.

Dinge zu malen, einen Blick darauf zu werfen, macht uns menschlich; Kunst macht Sinn und gibt diesem Sinn Gestalt. Es ist wie die religiöse Suche nach Gott.

Ich bin lächerlich altmodisch.

Kunst sollte ernst sein, kein Witz. Ich lache nicht gerne über Kunst.

Ich will Bildinhalte ohne Gefühl, aber ich will es so menschlich wie möglich

Ich gehe jeden Tag ins Atelier, aber ich male nicht jeden Tag. Ich liebe es, mit meinen Architekturmodellen zu spielen. Ich liebe es, Pläne zu schmieden. Ich könnte mein Leben damit verbringen, Dinge zu arrangieren.

Wochen vergehen, und ich male nicht, bis ich es endlich nicht mehr aushalte. Ich habe die Nase voll. Ich möchte fast nicht darüber reden, weil ich nicht selbstbewusst werden möchte, aber vielleicht schaffe ich diese kleinen Krisen als eine Art geheime Strategie, um mich selbst zu pushen.

Das Jahr stimmt immer, auch der Monat, nur der Tag kann ein anderer sein. Aber das fällt mir erst in dem Moment ein, in dem ich es aufschreibe.

Fast jedes Kunstwerk ist eine Analogie. Wenn ich eine Darstellung von etwas mache, ist auch dies eine Analogie zu dem, was existiert; ich bemühe mich, die Sache in den Griff zu bekommen, indem ich sie abbilde. Ich meide lieber alles Ästhetische, um mir keine Steine in den Weg zu legen und nicht das Problem zu haben, dass die Leute sagen: 'Ah, ja, so sieht er die Welt, das ist seine Interpretation.'

Ich glaube, dass Kunst eine Art Richtigkeit hat, wie in der Musik, wenn wir hören, ob eine Note falsch ist oder nicht

Natürlich haben Bilder von Objekten auch diese transzendentale Seite. Jeder Gegenstand, der Teil einer letztlich unverständlichen Welt ist, verkörpert auch diese Welt; wenn er in einem Bild dargestellt wird, vermittelt das Objekt dieses Geheimnis umso kraftvoller, je weniger eine 'Funktion' das Bild hat. Daher zum Beispiel die wachsende Faszination vieler schöner alter Porträts.

Die Farbe für die grauen Bilder wurde vorher gemischt und dann mit verschiedenen Werkzeugen aufgetragen - mal mit einer Rolle, mal mit einem Pinsel. Erst nach dem Bemalen hatte ich manchmal das Gefühl, dass das Grau noch nicht zufriedenstellend war und eine weitere Farbschicht benötigt wurde.

Was mich an meinen Spiegeln anzog, war die Idee, nichts manipuliert zu haben. Ein Stück gekauften Spiegel. Einfach dort aufgehängt, ohne Zusatz, um sofort und direkt zu operieren. Auch auf die Gefahr hin, langweilig zu werden. Bloße Demonstration. Die Spiegel und noch mehr die Glasscheiben waren sicherlich auch gegen Duchamp gerichtet, gegen sein großes Glas.

Ich fing an, 'Figuren' zu machen, dann, eines Tages, plötzlich, fing ich an, Abstraktion zu machen. Und dann fing ich an, beides zu tun. Aber es war nie wirklich eine bewusste Entscheidung. Es war einfach eine Frage des Verlangens. Tatsächlich bevorzuge ich wirklich figurative Arbeiten, aber die Figur ist schwierig. Um die Schwierigkeit zu umgehen, mache ich eine Pause und male abstrakt. Was ich übrigens sehr mag, weil es mir erlaubt, schöne Bilder zu machen.

Meine Methode bezieht sich auf den Versuch, etwas zu tun, das von der heutigen Welt verstanden werden könnte oder zumindest Verständnis vermitteln könnte. Mit anderen Worten, etwas zu tun, das ich verstehe und das jeder versteht. Dieses natürliche Verlangen nach Kommunikation findet sich auch in anderen Bereichen wie Lesen und Diskurs usw. Ich hasse es auch, mich zu wiederholen; es macht mir überhaupt keine Freude. Wenn ich etwas verstanden habe, muss ich neu anfangen.

Im Gegensatz zu den Fotografien und Drucken habe ich die Skizzen nie katalogisiert, verfolgt oder ausgestellt. Ich habe gelegentlich welche verkauft, mich aber nie als Grafiker gesehen. Sie sind mir aber durch die Ausstellung wichtiger geworden, und ich habe gemerkt, dass diese Zeichnungen doch ganz interessant sind.

Ich habe nie etwas gefunden, was auf einer verschwommenen Leinwand fehlt. Ganz im Gegenteil: Sie können darin viel mehr Dinge sehen als in einem scharf fokussierten Bild. Eine mit Genauigkeit gemalte Landschaft zwingt Sie, eine bestimmte Anzahl klar differenzierter Bäume zu sehen, während Sie auf einer verschwommenen Leinwand so viele Bäume wahrnehmen können, wie Sie möchten. Das Gemälde ist offener.

Bilder sind die Idee in visueller oder bildlicher Form; und die Idee muss lesbar sein, sowohl im Einzelbild als auch im kollektiven Kontext - was natürlich voraussetzt, dass Wörter verwendet werden, um Informationen über die Idee und den Kontext zu vermitteln. All dies bedeutet jedoch nicht, dass Bilder als Illustrationen einer Idee fungieren: Letztendlich sind sie die Idee. Die verbale Formulierung der Idee ist auch keine Übersetzung des Visuellen: Sie hat einfach eine gewisse Ähnlichkeit mit der Bedeutung der Idee. Es ist eine Interpretation, buchstäblich eine Reflexion.

Ein Kunstwerk ist zuallererst selbst ein Objekt, und daher ist Manipulation unvermeidlich: Sie ist eine Voraussetzung. Aber ich brauchte die größere Objektivität der Fotografie, um meine eigene Sehweise zu korrigieren: Wenn ich zum Beispiel ein Objekt aus der Natur zeichne, beginne ich es zu stilisieren und entsprechend meiner persönlichen Vision und meiner Ausbildung zu verändern. Aber wenn ich nach einem Foto male, kann ich alle Kriterien vergessen, die ich aus diesen Quellen bekomme. Ich kann sozusagen gegen meinen Willen malen. Und das fühlte sich für mich wie eine Bereicherung an.

Fotografie hat fast keine Realität, sie ist fast ein hundertprozentiges Bild. Und Malerei hat immer Realität: Man kann die Farbe anfassen; sie hat Präsenz; aber sie ergibt immer ein Bild - egal ob gut oder schlecht. Das ist die ganze Theorie. Es ist nicht gut. Ich habe einmal ein paar kleine Fotos gemacht und sie dann mit Farbe beschmiert. Das hat das Problem teilweise gelöst, und es ist wirklich gut - besser als alles, was ich jemals zu diesem Thema sagen könnte.

Tatsächlich ist es mir erst durch den Händler Fred Jahn gelungen, meine Vorbehalte gegenüber den Arbeiten auf Papier zu überwinden und sie auszustellen. Hinzu kam natürlich die Tatsache, dass ich nach zehn Jahren die Aquarelle in einem anderen Licht sehen konnte, und in Verbindung mit nachträglich gemalten Bildern waren sie mir zumindest verständlicher geworden.

Bilder malen ist einfach das Offizielle, die tägliche Arbeit, der Beruf, und bei den Aquarellen kann ich es mir eher leisten, meiner Stimmung, meinem Geist zu folgen.

Familienfotos, Bilder von Gruppen, das sind wirklich wunderbar. Und sie sind genauso gut wie die alten Meister, genauso reich und genauso schön komponiert (was heißt das überhaupt).

Wenn ich von einem Foto male, entfällt das bewusste Denken. Ich weiß nicht, was ich tue. Meine Arbeit ist dem Informel viel näher als jeder Art von 'Realismus'. Die Fotografie hat eine eigene Abstraktion, die nicht leicht zu durchschauen ist.

Was die Oberfläche betrifft - Öl auf Leinwand, konventionell aufgetragen - haben meine Bilder wenig mit der Originalfotografie zu tun. Sie malen total (was auch immer das bedeuten mag). Andererseits sind sie der Fotografie so ähnlich, dass das, was die Fotografie von allen anderen Bildern unterschied, intakt bleibt.

Vielleicht ist die Wahl insofern negativ, als ich versucht habe, alles zu vermeiden, was bekannte Themen berührt - oder überhaupt Themen, ob malerisch, sozial oder ästhetisch. Ich habe versucht, nichts zu explizit zu finden, daher all die banalen Themen; und dann habe ich wieder versucht zu vermeiden, dass das Banale zu meinem Thema und meinem Markenzeichen wird. Also ist es in gewisser Weise alles Ausweichmanöver.

Vielleicht die Türen, Vorhänge, Oberflächenbilder, Glasscheiben usw. sind Metaphern der Verzweiflung, ausgelöst durch das Dilemma, dass unser Sehsinn uns veranlasst, Dinge zu erfassen, aber gleichzeitig unsere Wahrnehmung der Realität einschränkt und teilweise ausschließt.

Die ersten Farbkarten waren unsystematisch. Sie basierten direkt auf handelsüblichen Farbmustern. Sie waren immer noch mit Pop-Art verwandt. In den folgenden Leinwänden wurden die Farben willkürlich gewählt und zufällig gezeichnet. Dann wurden 180 Töne nach einem vorgegebenen System gemischt und zufällig gezeichnet, um vier Variationen von 180 Tönen zu erstellen. Aber danach erschien mir die Zahl 180 zu willkürlich, also entwickelte ich ein System, das auf einer Reihe streng definierter Töne und Proportionen basiert.

Ausgehend von Mischungen der drei Grundfarben, zusammen mit Schwarz und Weiß, komme ich auf eine bestimmte Anzahl möglicher Farben und durch Multiplikation dieser mit zwei oder vier erhalte ich eine bestimmte Anzahl von Farbfeldern, die ich noch einmal mit zwei multipliziere usw. Aber die vollständige Realisierung dieses Projekts erfordert viel Zeit und Arbeit.

Ich glaube, dass er mehr wusste, was er tat. Da könnte ich mich absolut irren, aber das war mein Eindruck.

Das Grau ist sicherlich von den Fotomalereien inspiriert, und natürlich hängt es damit zusammen, dass ich denke, dass Grau eine wichtige Farbe ist - die ideale Farbe für Gleichgültigkeit, Zaun sitzen, Schweigen, Verzweiflung. Mit anderen Worten, für Seinszustände und Situationen, die einen betreffen und für die man einen visuellen Ausdruck finden möchte.

In der Kunst geht es immer zu einem großen Teil um Not, Verzweiflung und Hoffnungslosigkeit.

Man kann es mit Träumen vergleichen: Man hat eine sehr spezifische und individuelle Bildsprache, die man entweder akzeptiert oder die man vorschnell und falsch übersetzen kann. Natürlich kann man Träume ignorieren, aber das wäre schade, denn sie sind nützlich.

Ich weiß nicht, was den Künstler motiviert hat, was bedeutet, dass die Bilder eine Eigenqualität haben. Ich glaube, Goethe nannte es die 'wesentliche Dimension', die Sache, die große Kunstwerke großartig macht.

In Wahrheit haben mich sachliche Informationen - Namen oder Daten - nie sehr interessiert. Diese Dinge sind wie eine fremde Sprache, die in die Sprache des Gemäldes eingreifen oder sogar seine Entstehung verhindern kann.

Mit einem Pinsel haben Sie die Kontrolle. Die Farbe geht auf den Pinsel und Sie machen die Markierung. Aus Erfahrung wissen Sie genau, was passieren wird. Mit dem Rakel verlieren Sie die Kontrolle.