Bridget Riley berühmte Zitate

Für mich ist Natur keine Landschaft, sondern die Dynamik visueller Kräfte, eher ein Ereignis als eine Erscheinung. Diesen Kräften kann nur begegnet werden, indem Farbe und Form als ultimative Identitäten behandelt und von allen beschreibenden oder funktionalen Rollen befreit werden.

Während der Künstler seinen Weg wählt, ablehnt und akzeptiert, entstehen bestimmte Untersuchungsmuster.

Ich arbeite auf zwei Ebenen. Ich beschäftige mein Bewusstsein mit Dingen, die zu tun sind, Linien zu zeichnen, Bewegungen zu organisieren, Rhythmen zu erfinden. Tatsächlich beschäftige ich mich selbst. Aber das lässt andere Dinge passieren, die ich nicht kontrolliere... je mehr ich mein Bewusstsein trainiere, desto offener werden die anderen Dinge finden, dass sie durchkommen können.

Das Frühwerk eines Künstlers besteht zwangsläufig aus einer Mischung von Tendenzen und Interessen, von denen einige kompatibel sind und von denen einige in Konflikt stehen

Ich denke, dieses Fehlen eines Zentrums hat etwas mit dem Verlust von Gewissheiten zu tun, die das Christentum zu bieten hatte

Ich mache nie Studien aus der Natur. Sie würden in die Quere kommen. Ich benutze meinen Verstand.

Malerei ist eine Wissenschaft, die als Erforschung der Naturgesetze betrieben wird...Beobachtung gilt als Schlüssel zur Naturwissenschaft.

Früher habe ich mich zu Empfindungen aufgebaut, Spannung angesammelt, bis es eine Wahrnehmungserfahrung auslöste

Fokussieren ist nicht nur eine optische Aktivität; es ist auch eine mentale.

Ich couldnâ € ™ t in der Nähe bekommen, was ich wollte durch Sehen, Erkennen und neu zu erstellen, so dass ich das Problem auf den Kopf gestellt. Ich fing an, Quadrate, Rechtecke, Dreiecke und die Empfindungen zu studieren, die sie hervorrufen. Es ist unwahr, dass meine Arbeit von irgendeinem literarischen Impuls abhängt oder irgendeine illustrative Absicht hat. Die Markierungen auf der Leinwand sind alleinige und wesentliche Agenten in einer Reihe von Beziehungen, die die Struktur des Gemäldes bilden.

Es gab eine Zeit, in der Bedeutungen fokussiert waren und die Realität fixiert werden konnte; Als diese Art von Glauben verschwand, wurden die Dinge unsicher und offen für Interpretationen.

Wenn man der Farbe erlauben kann zu atmen, ihren eigenen Raum einzunehmen, ihr eigenes Spiel auf ihre instabile Weise zu spielen, ist es sozusagen mutwilliges Verhalten. Es ist promiskuitiv wie nichts.

Erst nachdem ich die Kunstschule verlassen hatte, kopierte ich tatsächlich einen kleinen Seurat, und ich kopierte ihn, um seinen Gedanken zu folgen, denn wenn man einen Künstler kopiert und ein enges Gefühl für ihn hat, in der Tat, dass man mehr über seine Arbeit wissen muss, gibt es keinen besseren Weg, als tatsächlich zu kopieren, weil man sehr nahe daran ist, wie jemand denkt.

Die Misserfolge eines Künstlers sind ebenso wertvoll wie seine Erfolge: Indem er eine Sache falsch einschätzt, passt er etwas anderes an, auch wenn er zu diesem Zeitpunkt nicht weiß, was das andere ist.

Im Allgemeinen sind meine Bilder multifokal. Man kann es nicht als unfokussierten Raum bezeichnen, aber nicht auf einen einzigen Fokus fixiert zu sein, ist ein großer Teil unserer Zeit.

Es ist wichtig, dass das Gemälde bewohnt werden kann, damit sich das geistige Auge oder der Geist des Auges glaubwürdig darüber bewegen kann.

Das Wort Paradox hatte für mich immer eine Art Magie, und ich denke, meine Bilder haben eine paradoxe Qualität, ein Paradoxon von Chaos und Ordnung in einem.

In meinen früheren Gemälden wollte ich, dass der Raum zwischen der Bildfläche und dem Betrachter aktiv ist. In diesem Raum fand paradoxerweise das Malen statt. Dann habe ich es nach und nach und zu einem gewissen Grad absichtlich in die andere Richtung gehen lassen und einen Innenraum geöffnet... so dass es eine geschichtete, geringe Tiefe gab.

Ich habe von Seurat diese wichtige Sache über Farbe und Licht gelernt, dass 'ein Licht' aus Farbe gebaut werden kann. Ich habe viel über Interaktion gelernt, dass 'ein Blau' in verschiedenen Teilen alle möglichen Rollen spielen wird.

Die eigentliche Grundlage der Farbe ist die Instabilität. Sobald du akzeptierst, dass du es anstelle von etwas Stabilem, was Form ist, mit etwas zu tun hast, das in seinem Grundcharakter instabil ist, fängst du an, einen Weg zu finden, damit umzugehen.

Es scheint, dass die tiefere, wahrere Persönlichkeit des Künstlers erst in der Entscheidungsfindung zum Vorschein kommt... im Ablehnen und Akzeptieren, Verändern und Revidieren.

Als Maler muss man heute ohne diese wesentliche Plattform arbeiten. Aber wenn man sich nicht täuscht und diese Unsicherheit akzeptiert, können andere Dinge ins Spiel kommen.

Malen ist, denke ich, zwangsläufig eine archaische Tätigkeit, die von spirituellen Werten abhängt.

Ich arbeite mit der Natur, wenn auch in völlig neuen Begriffen.

In meinen früheren Gemälden wollte ich, dass der Raum zwischen der Bildfläche und dem Betrachter aktiv ist.

Für mich ist Natur keine Landschaft, sondern die Dynamik visueller Kräfte.

Maler haben immer eine Art Schleier gebraucht, auf den sie ihre Aufmerksamkeit richten können. Es ist, als ob je vollständiger das Bewusstsein absorbiert wird, desto größer die Freiheit des Geistes dahinter ist

Das Auge kann sich parallel zu der Art und Weise, wie es sich über die Natur bewegt, über die Oberfläche bewegen. Es soll sich gestreichelt und beruhigt anfühlen, Reibungen und Brüche erleben, gleiten und treiben. In einem Moment wird es nichts zu sehen geben und in der nächsten Sekunde scheint sich die Leinwand zu füllen, mit visuellen Ereignissen überfüllt zu sein.