Jerry Saltz berühmte Zitate

Versetzen Sie sich in die Lage eines aufstrebenden Künstlers, der im Italien des frühen sechzehnten Jahrhunderts lebt. Stellen Sie sich nun vor, Sie würden versuchen, sich von den anderen Künstlern in Ihrer Stadt zu unterscheiden: Michelangelo, Raffael, Leonardo oder Tizian. Ist es ein Wunder, dass die italienische Hochrenaissance nur 30 Jahre dauerte?

Um sich mit Kunst zu beschäftigen, müssen wir bereit sein, falsch zu liegen, uns aus unseren psychischen Komfortzonen herauszuwagen, den Unglauben aufzuheben und uns daran zu erinnern, dass Kunst das Bewusstsein gleichzeitig erforscht und verändert.

Wenn Menschen in Stadien die Welle machen, ist es der kollektive Organismus des Gruppengeistes, der sich spontan organisiert, um eine Emotion auszudrücken, Zeit zu vertreiben und die Freude zu reflektieren, die Rhythmen vieler als eins zu sehen, ein visuelles Reimen oder eine Musik, in der jeder spürt, wohin die Bewegung geht geht.

Milliarden von Fotos werden jedes Jahr aufgenommen, und das Schwierigste, was ein Fotograf tun kann, ist, einen originellen, zutiefst persönlichen, sofort erkennbaren visuellen Stil zu erfinden. Anfang der neunziger Jahre tat Wolfgang Tillmans genau das und verwandelte sich in eine neue Art von Künstlerfotograf des modernen Lebens.

Kunst ist eine Möglichkeit, der Außenwelt zu zeigen, wie Ihre Innenwelt aussieht.

'Summer of Love: Kunst der psychedelischen Ära', die Reise des Whitney Museums zum 40-jährigen Jubiläum in die Vergangenheit der Gegenkultur, bietet Momente lebhaften Spaßes, aber es wird Sie nur angenehm taub machen. Für den Anfang ist es vielleicht die weißeste, geradlinigste und konservativste Show, die in einem New Yorker Museum zu sehen ist, seit Psychedelia neu war.

Kunst verändert sich. Wieder. Hier. Jetzt. Gelegenheiten, dies zu bezeugen, sind selten, also nehmen Sie teil und beobachten Sie.

In der Kunst ist Skandal eine falsche Erzählung, eine Nebelwand, die eher tarnt als enthüllt. Wenn wir nicht wissen, was wir sehen, überreagieren wir.

Das größte Kunstwerk über New York? Die Frage scheint nebulös. Die Magie und Majestät der Stadt wird in den Fotografien von Alfred Stieglitz und Paul Strand destilliert.

Bei Künstlern, die für andere Künstler arbeiten, geht es darum zu wissen, zu lernen, zu verlernen, langfristige künstlerische Dialoge zu initiieren, Verbindungen herzustellen, Zirkel zu gründen und vorübergehend Schutz vor dem Sturm zu finden.

Außerhalb von Museen, auf lauten öffentlichen Plätzen, schauen Menschen Menschen an. In Museen verlassen wir diesen Bereich und betreten das, was man den Gruppengeist nennen könnte, und werden still, um Kunst zu betrachten.

Abstraktion ist eines der größten visionären Werkzeuge, die jemals von Menschen erfunden wurden, um sich die Welt vorzustellen, zu entschlüsseln und darzustellen.

Der Sommer ist eine tolle Zeit, um Kunstmuseen zu besuchen, die die erfrischende Spülung von Schwimmbädern anbieten - nur statt kaltem Wasser taucht man in die Kunst ein.

Das Metropolitan Museum of Art brauchte fast 50 Jahre, um mit Pablo Picasso aufzuwachen. Es besaß erst 1946 eines seiner Gemälde, als Gertrude Stein dieses unbezwingbare quasi-kubistische Bild von sich selbst - ein Porträt der Schriftstellerin als Sumo-Buddha - der Met vermachte, hauptsächlich weil sie das Museum of Modern Art nicht mochte.

Wenn heutzutage Museen gebaut werden, scheinen Architekten, Direktoren und Treuhänder am meisten über den sozialen Raum besorgt zu sein: Orte, an denen Partys gefeiert, zu Abend gegessen, Spender zum Essen und Trinken eingeladen werden. Klar, diese sind heutzutage wichtig - Museen müssen Geld einbringen - aber sie verschlingen Platz und schieben die Kunst selbst weit weg vom Eingang.

Fotografie ist die einfachste Sache, die man machen kann, und eine der schwierigsten Dinge, die man gut machen kann.

Kunst macht in Amerika normalerweise nur dann Schlagzeilen, wenn es um Geld geht.

Aneignung ist die Idee, die die Kunstwelt gefressen hat. Gehen Sie zu einer Chelsea-Galerie oder einer internationalen Biennale und Sie werden es finden. Es ist da in Gemälden von Fotografien, Fotografien von Werbung, Skulpturen mit vorgefertigten Objekten, Videos mit bereits vorhandenem Film.

Mission erfüllt. Der weit geöffnete, hohe, superverstärkte zweite Stock des Museums für Moderne Kunst wurde in jeder Hinsicht gebaut, um bei Bedarf monumentale Installationen und gigantische Skulpturen unterzubringen. Es ist entstanden.

Marlene Dumas ist eine der zwei oder drei erfolgreichsten lebenden Künstlerinnen, wenn man nach Preisen urteilt. Ich habe ihre Arbeit nie rezensiert, weil ich nichts darin finde, worüber ich mich aufregen könnte, egal wie sehr ich hinschaue.

Mark Grotjahns große neue Gemälde sind reich an Strömen von pastosem Seil, die in Dickicht abgelegt sind, kaskadierenden Wellen und Bündeln, die anschwellen, sich umflechten oder überlappen.

Viele sagen, ein Kunsthändler, der ein Museum betreibt, sei ein Interessenkonflikt. Aber vielleicht hat die Kunstwelt all die Jahre eine künstliche oder unbeabsichtigte Lüge gelebt, wenn es um Interessenkonflikte geht.

John Baldessari, der 79-jährige Konzeptualist, hat mehr als vier Jahrzehnte damit verbracht, lakonische, ironische Konzeptkunst über Kunst zu machen, sowohl gute als auch schlechte.

Der Stil der altägyptischen Kunst ist transzendent klar, etwas, das 8-Jährige sofort erkennen können. Seine Konsistenz und Kodifizierung ist eine der epischsten visuellen Reisen in der gesamten Kunst, die 30 Dynastien über 3.000 Jahre dauert.

Wahrscheinlich könnte nur ein Kunstliebhaber wie ich etwas so Einfachem und Albernem wie Tebowing eine tiefere Bedeutung beimessen. Aber für uns sehen wir immer, wenn Menschen eine Haltung oder einen kleinen Tanz wiederholen, allein oder zusammen, dass es etwas bedeuten kann. Bildhafte und unausgesprochene Sprache ist unser Ding.

Der riesige weiße Kubus behindert nun die Rhythmen der Kunst eher als sie zu verstärken. Es programmiert die Reise eines Betrachters vor, verschiebt den Schwerpunkt vom Prozess zum Produkt und es fehlt an Individualität und Offenheit. Es ist nicht so, dass Kunst nur in zerbombten Umgebungen zu sehen sein sollte, aber sie sollte lebendig erscheinen.

Die Alchemie des guten Kuratierens läuft darauf hinaus: Manchmal macht das Platzieren eines Kunstwerks neben einem anderen eins plus eins gleich drei. Zwei alchemistisch arrangierte Kunstwerke lassen jedes intakt, transformieren beide und schaffen ein drittes Ding.

Jetzt schauen sich die Leute 'Den Schrei' oder Van Goghs 'Iris' oder einen Picasso an und sehen seinen neuen Inhalt: Geld. Auktionshäuser setzen Kapital von Natur aus mit Wert gleich.

Ich liebe Kunsthändler. In gewisser Weise sind sie meine Lieblingsmenschen in der Kunstwelt. Wirklich. Ich finde es toll, dass sie ihr Geld dort einsetzen, wo ihr Geschmack ist, ihre eigenen ästhetischen Universen erschaffen, Künstler unterstützen, Menschen beschäftigen und all dies tun, während sie uns Kunst kostenlos sehen lassen. Viele sind Visionäre.

Natürlich ist die Ethik der Kunstwelt wichtig. Aber Museen sind nicht reiner als jede andere Institution oder jedes andere Unternehmen. Akademiker sind nicht unbedingt hochgesinnter als Galeristen.

Viele Museen ziehen das Publikum mit Kunst an, die angeblich unterhaltsamer ist als Sachen, die nur sitzen und zum Nachdenken einladen. Interaktivität, Spielereien, Essen, Abhängen, Dinge, die Lärm machen - alles ist jetzt die Norm und verdrängt oft vieles andere.

Lucian Freuds Karriere bestätigt, dass das einzige, was ein Künstler tun kann, darin besteht, der Vision, dem (mangelnden) Talent oder den Ideen treu zu bleiben, die er zufällig ausgewählt hat, um der Welt bekannt gemacht zu werden.

Morandi lebte und arbeitete vier Jahrzehnte lang in einer Wohnung und einem Atelier in Bologna, die er mit seinen unverheirateten Schwestern teilte. Doch wie das von Chardin und dem unterschätzten William Nicholson scheint Morandis Arbeit die Zeit zu verlangsamen und Ihnen Dinge zu zeigen, die Sie noch nie zuvor gesehen haben.

Wenn wir nur die Galerien davon überzeugen könnten, eine Brachperiode einzuhalten, in der alle zwei Jahre zwei Monate lang neue und alte Kunstwerke in Hinterzimmern verkauft werden könnten und alle Hauptgalerien sich der Wiederholung vergangener Ausstellungen widmen würden.

Ich bemerke in den letzten Museums- und Galerieausstellungen einen neuen Ansatz für das Kunstschaffen. Es flackerte letztes Jahr bei 'Younger Than Jesus' des Neuen Museums in den Fokus und lief durch die Whitney Biennale, und ich sehe es blühen und Früchte tragen bei 'Greater New York', MoMA PS 1's zweimal im Jahrzehnt stattfindende Extravaganz aufstrebender lokaler Talente.

Ich wünschte, ich könnte über Shows außerhalb von New York schreiben. Ich fühle mich oft wie die letzte Person, die etwas weiß, weil ich fast nie die Stadt verlasse, und wenn ich es tue, neige ich dazu, maximal drei Tage zu gehen. Zwischen 30 und 40 Ausstellungen pro Woche in etwa 100 Galerien und Museen zu sehen, nimmt fast meine ganze Zeit in Anspruch.

Ich sehe ungefähr 100 Shows pro Monat, von Palästen in Niketown-Größe, in denen man schreien möchte, bis hin zu Ladenfronten in Bushwick. Jeder muss die Rechnungen bezahlen; Künstler glücklich machen; und mit Sammlern fertig werden (oy!), Kuratoren (ay-yi-yi), Kritikern (woo-hoo!) und gelegentlich Klempner. Dass ihr fiskalisches Leben oft in der Schwebe hängt, erhöht nur die Energie.

Ich sehe 30 bis 40 Galerieshows pro Woche, und egal in welcher Stimmung ich bin, egal wie schlecht die Kunst ist, ich fühle mich danach fast immer besser. Ich kann von schlechter Kunst genauso viel lernen wie von guter.

Ich ertappe mich oft dabei, wie ich privat über viel britische Kunst schmorte und denke, dass die Engländer, abgesehen von ihren riesigen Gärten, nicht in erster Linie bildende Künstler sind und auf fast unübertreffliche Weise literarisch sind.

Ich mag etwas an George W. Bush. Viel. Nachdem ich mehr als ein Jahrzehnt damit verbracht habe, fast physiologisch-chemische Reaktionen zu haben, wann immer ich ihn sah, und jedes Mal, wenn er sprach, die Gänsehaut bekam - nachdem ich von Anfang an sicher war, dass er ein Gremlin auf dem Flügel Amerikas war -, mag ich die Bilder von George W. Bush wirklich sehr.

Ich plane meine Besuche nicht streng, aber ich habe eine Liste von ungefähr 125 New Yorker Galerien, alternativen Räumen, Museen und so weiter, die ich regelmäßig besuche. Das kommt meiner Strategie am nächsten: Ich gehe an viele Orte, viele, die Künstler nicht besuchen.

Wenn sich die Frieze Art Fair durchsetzt, stelle ich mir vor, dass mindestens zwei großartige Dinge passieren. Zuerst werden wir wieder eine riesige Kunstmesse in der Stadt haben, die nicht zu nervig ist, um dorthin zu gehen. Noch wichtiger ist, dass Frieze den New Yorkern endlich zeigen kann, dass wir unsere eigenen Gewässer für die visuelle Kultur überqueren können. Das würde alles verändern.

Stellen Sie sich vor, es ist 1981. Du bist ein Künstler, verliebt in die Kunst, begeistert von der Kunstgeschichte. Sie sind auch eine Frau, mit fast keinen Mentoren, auf die Sie sich verlassen können; Kunstgeschichte steht einfach nicht auf Sie. Jede Frau, die sich Anfang der achtziger Jahre der Kunstgeschichte näherte, versuchte, ein fast fremdes Land zu betreten, eine eingeschränkte und ausschließende Domäne, die eine Privatsprache sprach.

In gewisser Weise ist Lawler eine konzeptionelle Diane Arbus. Sie ist eine Stalkerin, die Situationen ausnutzt. Sie zieht Vorhänge zurück, was dazu führt, dass normale Dinge verrückt aussehen und das Verrückte banal wird.

Koons 'Werk zeichnete sich immer durch seine einmalige Perfektion, epische Theatralik, einen korrupten, fast kranken Drang nach Reinigung und eine Besessenheit von traditionellen künstlerischen Werten aus.

Kinkades Bilder sind wertloser Schmalz, und die Lamestream-Medien, die ihn lieben, liegen falsch. Ich würde es jedoch lieben, wenn ein Museum eine kleine Ausstellung von Kinkades Arbeiten zeigt. Ich würde mir wünschen, dass die Kunstwelt und die ganze Welt öffentlich über ihn streiten.

Ich habe zwanzig Jahre gebraucht, um Steven Parrinos Arbeit zu bekommen. Seit ich seine Kunst Mitte der achtziger Jahre zum ersten Mal gesehen habe, habe ich sie fast immer als manierierte, romantische, formelhafte, konzeptualistisch-formalistische Heavy-Metal-Boy-Art-Abstraktion abgetan.

So wie Pollock den Tropfen benutzte, um Prozess und Produkt zu verschmelzen, 'fand' Richter den Fleck und die Unschärfe, um das Auge zu berauben und Werke von psychischer und physischer Kraft zu schaffen.

Jeffrey Deitch ist der Jeff Koons der Kunsthändler. Nicht weil er der Größte, Beste oder reichste seiner Art ist. Aber weil er in gewisser Weise der seltsamste ist (was viel sagt, wenn man über die wunderbaren, bösen, liebenswerten und nervigen Kreaturen spricht, die als Kunsthändler bekannt sind).

Es ist großartig, dass New York große Räume für Kunst hat. Aber die riesige makellose Kiste ist zu einem veralteten, sogar beklemmenden Ort geworden. Viele dieser Räume wurden für weitläufige Installationen, große Gemälde und die relationale Ästhetik der letzten fünfzehn Jahre konzipiert.