Kehinde Wiley berühmte Zitate

Was ich an der Kunst liebe, ist, dass sie bekannte Kombinationen aufnimmt und sie auf eine Weise neu ordnet, die etwas beleuchtet, das sie noch nie zuvor gesehen haben, oder die es erlaubt, die Welt etwas anders zu betrachten.

Ich denke, es ist wichtig, gegen den Strich zu gehen und vielleicht Wert in Dingen zu finden, die nicht unbedingt institutionell anerkannt sind.

Ich denke, dass Künstler Fragen stellen, keine Antworten. Wir bieten eher Provokationen als vollständig geformte Objekte.

Hinter allem, was ich tue, steckt ein politischer und rassistischer Kontext. Nicht immer, weil ich es so gestalte oder weil ich es so will, sondern weil es einfach so ist, wie die Leute die Arbeit eines afroamerikanischen Künstlers in diesem Land sehen.

In meiner Arbeit möchte ich ein Verständnis dafür schaffen, nicht wie ein Gemälde aussieht, sondern was ein Gemälde sagt.

Alle Kunst ist Selbstporträt.

Die Hintergründe sind von Natur aus ein sehr wichtiger Teil des Gesprächs, weil ich möchte, dass eine Art Kampf oder Druck zwischen der Figur und dem Hintergrund besteht.

Ich glaube, dass der Künstler in der Lage ist, zur breiteren Entwicklung der Kultur in all ihren Dimensionen beizutragen.

Von Frauen wird erwartet, dass sie das Geschlecht als Ausgangspunkt identifizieren. Von Ethnien wird erwartet, dass sie dies als Standort identifizieren. Ist es dem Künstler jemals möglich, sich einen Zustand absoluter Freiheit vorzustellen? Das war mein Ruf zu den Waffen.

Ich glaube, dass Künstler Teil der Kultur sein sollten. Ich denke, dass meine Arbeit das eindeutig bestätigt.

Wenn Sie in Bestform sind, analysieren Sie sich selbst und werden zunehmend von einer breiteren Erzählung isoliert.

Ich erschaffe etwas, das mir und der Welt etwas bedeutet, und versuche mein Bestes zu geben. Ich kann nicht alles reparieren.

Damit beschäftigen wir uns als Künstler ständig - die Vergangenheit wegzuwerfen, den Vater zu töten und das Neue zu schaffen. Dieser Wunsch, die alten Regeln wegzuwerfen.

Wenn ich den gleichen Plan habe, auf die Straße zu gehen, zufällige Fremde zu finden, kunsthistorische Referenzen von ihrem - von dem spezifischen Ort zu verwenden, dekorative Muster von diesem Ort zu verwenden, ist das eine Regel. Das ist eine Reihe von Mustern, die Sie auf alle Gesellschaften anwenden können. Aber was bei jedem Experiment entsteht oder was dabei herauskommt, ist so radikal anders.

Malerei ist situativ. Und meine besondere Situation existiert innerhalb von Geschlecht, Rasse, Klasse, Sexualität, Nation.

Wir sind dazu verdrahtet, einfühlsam zu sein und uns um die Bedürfnisse anderer zu kümmern, aber auch neugierig auf andere zu sein. Und ich denke, das liegt irgendwie in unserer DNA. Porträtieren ist also ein sehr menschlicher Akt.

Ich denke, dass mir zunehmend die Tatsache bewusst wird, dass man, um auf eine Aussage hinzuarbeiten, die radikal global oder universell ist, an einem Ort beginnen muss, der radikal intim und besonders ist.

Das ist zum Teil der Erfolg meiner Arbeit - die Fähigkeit, ein junges schwarzes Mädchen ins Brooklyn Museum gehen zu lassen und Gemälde zu sehen, die sie nicht wegen ihres künstlerischen oder historischen Einflusses erkennt, sondern wegen ihrer Beugung, in Bezug auf Farben, ihre Besonderheit und Präsenz.

Wir haben viele historisch überlieferte Arten, Porträts zu betrachten. Und ich nehme an, dass ich das irgendwie in Frage stelle, indem ich mit den Spielregeln spiele.

Ich denke, Kunst liegt im Auge des Betrachters.

Im Gegensatz zum Hintergrund in vielen Gemälden, von denen ich inspiriert wurde, oder Gemälden, von denen ich Posen entlehnt habe - den großen europäischen Gemälden der Vergangenheit - spielt der Hintergrund in meiner Arbeit keine passive Rolle.

So viel von meiner Arbeit wird durch den Unterschied zwischen der Figur im Vordergrund und dem Hintergrund definiert. Sehr früh in meiner Karriere habe ich mich gefragt: "Was ist das für ein Unterschied?" Ich begann zu untersuchen, wie eine Figur im Vordergrund in europäischen Gemälden des achtzehnten und neunzehnten Jahrhunderts funktioniert, und sah, wie viel damit zu tun hat, was die Figur besitzt oder besitzt. Ich wollte mich von diesem Sinn lösen, in dem das Haus, die Frau und das Vieh gleichermaßen hinter dem Dargestellten abgebildet sind.

Manchmal fühle ich mich durch die Erwartung eingeschränkt, dass die Arbeit ausschließlich politisch sein sollte. Ich versuche, eine Art von Arbeit zu schaffen, die meinen eigenen Kriterien dient, die mit Schönheit und einer Art Utopie zu tun haben, die in gewisser Weise mit der Kultur spricht, in der ich mich befinde.

Status und Klasse und soziale Angst und vielleicht auch sozialer Code werden freigesetzt, wenn man sich Gemälde mächtiger Individuen aus der Vergangenheit ansieht.

Es besteht ganz offensichtlich der Wunsch, die Regelsätze zu öffnen, die Inklusion oder Disclusion ermöglichen. Ich denke, meine Hoffnung wäre, dass meine Arbeit einen gewissen Präzedenzfall schafft, der es großen Institutionen, Museen und Zuschauern ermöglicht, die Möglichkeiten der Malkultur zu erkennen, ein bisschen inklusiver zu sein.

Ich denke, das ist ein Hinweis auf eine Art Selbstvertrauen, das Menschen entwickeln, wenn sie ihre eigene Fähigkeit zu schaffen erkennen.

Es wurde eine Frage des Geschmacks. Ich habe einen gewissen Geschmack in der Kunstgeschichte. Und das - ich hatte eine riesige Bibliothek mit kunstgeschichtlichen Büchern in meinem Atelier. Und ich würde einfach die Modelle diese Bücher mit mir durchgehen lassen, und wir begannen ein Gespräch darüber, was Malerei bedeutet, warum wir es tun, warum sich die Leute dafür interessieren, warum oder wie es heute bedeuten oder Sinn ergeben kann.

Die Kunstwelt ist so inselhaft geworden. Die Regeln sind so autodidaktisch geworden, dass sie gewissermaßen den Überblick darüber verlieren, woran die Leute interessiert sind, worüber sie nachdenken, reden oder sogar schauen.

Was dabei herauskam, war eine intensive Besessenheit von Statusangst. Bei so vielen dieser Porträts geht es darum, sich selbst in das Bild der Perfektion zu verwandeln, das den Tag im 18. und 19.Jahrhundert beherrschte. Es ist eine antiquierte Sprache, aber ich denke, wir haben diese Sprache geerbt und sie an ihre nützlichsten Punkte im 21.Jahrhundert weitergeleitet.

Fast so, als würde das Gemälde selbst zur Verkörperung einer Art Kampf um Sichtbarkeit, und dies könnte als Hauptthema des Gemäldes angesehen werden.

Ich würde gerne diese feine Linie zwischen dem authentischen Künstlerselbst und dem hergestellten Künstlerselbst gehen. Ich würde gerne außerhalb einer Reihe von Erwartungen oder Annahmen darüber existieren, was die Marke Kehinde Wiley ist. Und ich würde gerne auf etwas zugehen, das ein bisschen unvorhersehbarer, menschlicher ist.

Wie funktioniert der Künstler als Dichter-Hieb-Zeuge-Hieb-Betrüger?

Das Tolle daran ist, dass sich die Malerei nicht bewegt. Und so sitzt die Malerei im 21. Jahrhundert, wenn wir es gewohnt sind zu klicken und zu stöbern und ständig die Wahl zu haben, einfach still da und bittet Sie, das kleinste Detail zu bemerken.

Im Gegenteil, mein Wunsch ist es, dass der Betrachter den Hintergrund im unteren Teil der Leinwand nach vorne kommen sieht, der um Raum kämpft und Präsenz fordert.

Ich bin zufällig ein Zwilling. Ich bin die Hälfte meines Lebens mit jemandem aufgewachsen, der aussieht und klingt wie ich. Und ich glaube, es ist möglich, zwei Wünsche im Kopf zu haben, wie zum Beispiel den Wunsch, Malerei zu schaffen und Malerei gleichzeitig zu zerstören. Der Wunsch, eine schwarze amerikanische Kultur als unterversorgt und repräsentationsbedürftig anzusehen, der Wunsch, diese Kultur abzubauen und ihre Teile freizulegen und sie fast klinisch zu betrachten.

Es gab bestimmte Erwartungen, die an mich als jungen schwarzen amerikanischen Künstler des 20. Jahrhunderts - dann des 20. Jahrhunderts - gestellt wurden.

Ich begann in den Straßen von Harlem zu arbeiten, wo ich nach meinem Abschluss an der Yale [Universität, New Haven, CT] Artist in Residence im Studio Museum in Harlem [New York, NY] wurde. Ich wollte wissen, worum es dabei ging. Ich würde tatsächlich Leute von der Straße holen und sie bitten, in mein Studio zu kommen.

Ich versuche, einen Ort der Orientierungslosigkeit zu schaffen.

Ich habe einen wirklich starken Verdacht gegen die romantische Natur der Porträtmalerei, die Idee, dass Sie eine wesentliche Wahrheit über das Innenleben Ihres Motivs erzählen.

Ich finde didaktische Kunst langweilig. Ich meine, ich liebe es in Bezug auf einige der historischen Präzedenzfälle, von denen ich gelernt habe. Das hast du gebraucht. Wir brauchten diese Bausteine in Bezug auf - wissen Sie, wenn ich mir zum Beispiel eine großartige Barbara Kruger anschaue und Sie über die Position der Frau in der Gesellschaft nachdenken - wissen Sie, sie hat einen Weg gefunden, es schön zu machen, aber gleichzeitig ist es sehr predigend, wissen Sie, was ich meine?

Ich denke, dass man im besten Fall nur jede Arena für das respektieren muss, was sie gut kann.

Ich hatte Momente, in denen ich Menschen getroffen habe, die komplett waren, wie Idioten, die die visuelle Kultur nicht verstehen konnten, um ihr Leben zu retten.

Ich hatte keine Ahnung, wohin ich gehen würde. Ich hatte keinen Sinn für Kunst als etwas anderes als ein Problem, das behoben werden muss, wissen Sie, ein Juckreiz, der zerkratzt werden muss. Ich war in diesem Studio und habe mein Bestes gegeben, um mit mir selbst zufrieden zu sein. Ich hatte ein Stipendium. Ich hatte einen Platz zum Schlafen. Ich hatte ein Studio zum Arbeiten. Ich hatte nichts anderes zu denken, weißt du. Und das ist - das war ein riesiger Luxus in New York City.

Die ganze Welt ist eine Bühne. P.T. Barnum: Es wird ein Zirkus. Aber Zirkusse oder Straßenfeste oder Paraden waren in einer Gesellschaft immer nützlich.Sie waren immer nützlich, um Macht zu kritisieren. Das Karnevaleske war schon immer nützlich, um die Mächtigen im öffentlichen Raum zu verspotten.

Das ist das Problem mit, denke ich, meiner - der zeitgenössischen Lektüre meiner Arbeit. So viele Leute sagen einfach: "Das sind hübsche Bilder von schwarzen Jungs." Sie denken nicht wirklich darüber nach, was das Ganze ist.

Ich denke, etwas, das Sie vielleicht in der Arbeit finden können, die ich heute schaffe: die Fähigkeit, ein schwarzes Amerika als etwas zu betrachten, das nicht nur auf eine sehr zynische, kalte Weise abgebaut, sondern auch angenommen werden kann auf eine sehr persönliche, liebevolle Weise; aber auch irgendwie kritisiert.

In Amerika gibt es diese Art von Erwartung von Berühmtheit, die nur Wasser hinzufügt, diese Art von "Natürlich hast du mich gefunden; wir werden alle für 15 Minuten berühmt sein", eine Art Paris-Hilton-Isierung der Gesellschaft.

Porträtmalerei ist etwas, zu dem wir uns alle hingezogen fühlen. Ich denke in erster Linie an andere Formen - wir betrachten Menschen im Großen und Ganzen lieber als eine Obstschale.

Was wir jetzt haben, ist eine Kommunikationsfähigkeit. Wir haben die Fähigkeit, Arbeitsideen zu sehen, die in den großen Städten auf der ganzen Welt vor sich gehen, und ob Sie in Shanghai oder in Sao Paulo leben, Sie haben die Fähigkeit, die Ideen einiger der größten Köpfe unserer Generation zu sehen und zu kennen Generation.

Ich war 1989 während der Perestroika 12 Jahre alt, als meine Mutter ein Programm fand, das mich nach Russland schickte, um Kunst in den Wäldern außerhalb von Leningrad zu studieren.